Esta sección está documentada en la siguiente bibliografía:

AUSONI, Alberto.: La musique. Repères Iconographiques"

Éditions Hazan, Paris, 2006.

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BENITO, A., FERNÁNDEZ, T. y PASCUAL, M.: "Arte y Música en el Museo del Prado".

Fundación Argentaria, Visor Dis., 1997

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Hay páginas  webs que son muy interesantes, es el caso de la página de Joëlle Morton, profesora especializada en viola de gamba y otros instrumentos de los períodos Renacimiento, Barroco y Clasicismo. Ha llegado a reunir cerca de 400 imágenes de cuadros, grabados, frescos de instrumentos de cuerda, especialmente viola de gamba. Merece la pena echarle un vistazo.

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Edgar Degas. L´Orchestre de l´Opera Hacia 1868.

Vemos un fagotista en primer término, amigo de Degas. Había pensado primeramente hacer un cuadro individual de su amigo, pero decidió representarlo en el marco habitual de su trabajo, en el foso de la orquesta. Aparecen otros músicos, flautista, contrabajista, violonchelista, violinistas. En el fondo las balilarinas, en tonos pastel contrastando con las vestimentas oscuras de los músicos.

             Degas 

Ben Shahn. Composición para clarinete y trompeta de hierro blanco. Hacia 1951.Pintor norteamericano de origen ruso.

Cinco clarinetes con sus llaves y la trompeta de hierro blanco que adopta la verticalidad solemne de los clarinetes. Hay una decoración que evoca los desfiles  americanos de esta época. Se puede observar una cara de payaso con gesto melancólico sobre el instrumento. El pintor sólo representa los brazos y las manos del hombre, evitando fijar su identidad. El gesto de soledad o de desesperación expresado por sus brazos con los puños cerrados.

Ben Shahn-009Claudio Coello. La Sagrada Forma. 1690. Sacristía de la Basílica del  Monasterio del Escorial.

El pintor representa al rey de España Carlos II en adoración de la Sagrada Forma. Un coro de sacerdotes y de voces blancas dirigidas por el maestro de capilla del monasterio del Escorial Fray Diego de Torrijos. El coro es acompañado por algunos instrumentos, entre los que se reconocen una dulzaina y una corneta. Se observa también un órgano portativo.  A la izquierda un niño del coro acciona un fuelle para introducir aire en el órgano.

Claudio COELLO

Véase el detalle del cuadro anterior con el coro y los instrumentistas.

La Sagrada Forma by Claudio COELLO

 Gustave Caillebotte. Jeune homme jouant du piano. 1876. Colección particular.

Gustave Caillebotte pinta aquí a su hermano Martial, estudiante de piano y composición en el Conservatorio de París. El pintor reproduce con bastante detalle la posición de las manos sobre el teclado. El piano es el instrumento que mejor representa al siglo XIX.

CAILLEBOTTEpiano

Edward Hopper. Room in New York. 1932.

La mujer roza una tecla del piano. El sonido de la nota, quizás a penas sugerido, parece  señalar la separación entre el hombre y la mujer, que dejan pasar el tiempo como si estuviesen en dos habitaciones separadas. 

Edward Hopper Chambre à New York Room in New York American painting

 Jan VermeerLa lección de música, hacia 1662.

Vemos un virginal tocado por una chica joven, el rostro se refleja en el espejo, se percibe una parte del caballete utilizado por el pintor. Vermeer utiliza este procedimiento, característico de la pintura flamenca, para señalar su papel de inventor de la escena. Este tema es frecuente de la pintura holandesa de s. XVII, la lección de música es a menudo la ocasión de señalar la relación amorosa entre los protagonistas, más que describir la educación musical. También podemos ver una viola de gamba apoyada en el suelo.

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Ben Shahn. Imagen de cuando era joven. 1943.

Cuatro músicos tocan en la calle, dos tubas, un clarinete y una trompeta. El recuerdo de un niño se despliega en una atmósfera onírica, donde los elementos de la realidad urbana se reducen a un espacio neutro y a una arquitectura impersonal.

Ben Shahn

 

 Modigliani. El violonchelista. 1909.

Modigliani

 

Jean-Michel Basquiat. Sin título (Stardust) 1983.

Pintor norteamericano (1960-1988). Se inició en el mundo del graffiti y llegó a vivir durante dos años en las calles y en edificios abandonados. Sus cuadros pueden encuadrarse en el neoexpresionismo y en ellos vemos la cultura negra, los barrios marginales, el jazz. Tiene algunos cuadros en los que aparecen instrumentistas. En este caso un saxofonista negro. STARDUST hace referencia a la canción compuesta por Hoagy Carmichael muy interpretada por todos los grandes del jazz.  

Basquiat-Stardust

 

Otro cuadro de Basquiat.

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Más cuadros de Basquiat. Detrás de las cortinas. 1986.

El jazzista americano Lester Young ejerce una influencia decisiva sobre las jóvenes generaciones de saxofonistas, incluído Charlie Parker. El Reno Club era uno de los bares del barrio negro de Kansas City. Allí se podía escuchar música hasta el alba. Cuando era niño, Charlie Parker no podía entrar en el Reno Club, donde tocaban Lester Young y la orquesta de Count Basie. Se quedaba detrás del establecimiento, lugar donde salían los músicos a tomar el aire en los entre actos. (Alberto Ausoni)

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Gaston Phébus. miniatura extraída del libro de la caza. S.XV.

Los cazadores aprenden las diferentes técnicas para emitir con los cuernos de caza gritos y sonoridades capaces de excitar a las jaurías.

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Goya. Retrato del duque de Alba. 1795.

El duque de Alba sostiene la partitura de las Cuatro canciones con acompañamiento de pianoforte de J. Haydn. Haydn componía en la década de 1780 música para clientes de toda Europa. El duque se apoya sobre lo que puede ser un  pianoforte. También aparece un posible violín, con clavijero y caja de resonancia.

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"No me cabe duda de que seguirá habiendo música. Para mí la música es el arte más elevado, y probablemente el primero de todos. También el más necesario. Así que seguro que seguirá habiendo música. No sé cómo, pero la habrá."

Fuente: Entrevistas 'Así pasen cien años'. Entrevista a Javier Marias. El País. 16/02/2015

 

"Los políticos que nos quieren arrebatar la cultura son criminales"

Zubin Metha

Fuente: El País. 31/Oct/2013


Sobre Eugenio Trías.
"La mente lúcida indaga en el enigma de la música, en país tan musicalmente desdeñoso." José Luis Gutiérrez
Fuente: El Mundo. 10/02/2013.
                   
                     
"La música es una forma de conocimiento que salva; una gnosis cuyo objetivo es la salud (física, anímica, espiritual). Salud de las personas; salud también de toda la humanidad, que es aclamada en el final de la Novena sinfonía" (de Beethoven)
Eugenio Trías. "La imaginación sonora. Argumentos musicales". Galaxia Gutenberg, Cículo de Lectores. Barcelona, 2010.


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La caracola del 'Culip IV'
Arturo Pérez Reverte

Son media docena, bronceados y quemados por el sol mediterráneo. También son jóvenes, brillantes, y la perra España aún no se les ha comido las ilusiones, aunque lo procura. Quisieron ser arqueólogos, y lo son. No en plan aventureros de película sino de los otros, los de verdad. Arqueólogos de los serios. Más Howard Carter que Indiana Jones. Y claro. Pagaron puntualmente el precio de su vocación. Y lo pagan, por supuesto. Lo siguen pagando. Nunca mejor dicho: de su bolsillo, casi. O sin casi. Escasez de subvenciones, becas que llegan tarde o no llegan nunca. Ganan lo justo para comer; y en algunas campañas, ni eso. Lo suyo es rescatar objetos del pasado para mejor comprender el presente. Para establecer la identidad y la memoria. Así que calculen ustedes mismos la prioridad oficial, con crisis o sin ella. En España, insisto. Las facilidades que encuentran para su trabajo. Aun así hay muchos como ellos, dispersos por ahí, trabajando como pueden y donde pueden. Nadie dijo que fuera fácil, ni rentable, hacer realidad ciertos sueños. Éstos lo hacen bajo el agua. Son especialistas en naufragios y navegación antigua: barcos hundidos romanos, fenicios y así. Ahora trabajan en un pecio del cabo de Creus, a veinticinco metros. Dos inmersiones diarias: trabajo duro, peligroso, delicado, sin poder apoyarse en el fondo para no dañar el precario estado de las maderas. Una estructura interesante, cuentan entusiasmados. Casi intacta. Una nave del siglo I antes o después de Cristo.

Día de descanso relativo. El Thetis, el barco nodriza, amarra en Port de la Selva, y los chicos transportan material con el director de la excavación hasta el Centro de Arqueología Subacuática en la zona. Lo que ven les parece el paraíso: cientos de ánforas, piezas de lastre, cepos, cubetas para conservación de maderas rescatadas. Los arqueólogos encargados del Centro también son jóvenes. Les muestran aquello de colega a colega, explican el origen y significado de cada cosa y detallan su historia: la del hallazgo y la reconstruida, imaginada o probada -de eso trata precisamente la Arqueología- sobre su origen. Su papel de menuda pieza en la gran historia de los siglos que, para bien y para mal, nos hicieron lo que somos.

Entre los innumerables objetos sacados del mar, llama la atención una pieza singular: una caracola de casi dos palmos, concha de tritón con el pico serrado y dos improntas de plomo. Éstas, les cuentan, corresponden a los puntos de fijación de una correa que algún marinero se colgaba del pecho. Porque la caracola es lo que ahora un marino llamaría una bocina de niebla, que durante siglos los navegantes usaron para prevenir abordajes y comunicarse entre barcos o dar señales a tierra. Ésta proviene de un naufragio del año 78 d.C.: un barco romano que se hundió hace veinte siglos en Cala Culip, y cuyo pecio fue bautizado por los investigadores como Culip IV.

La caracola dispara la imaginación. Y, como suele ocurrir con estas cosas, los chicos y el director de la excavación intercambian conjeturas. El Culip IV traía en su bodega ánforas con aceite de la Bética, cerámica de las Galias y lámparas de barro hechas en Roma. Se hundió a causa de un temporal o tras tocar una piedra. «Lástima -dice uno de los encargados del almacén-, que no sepamos cómo sonaba la caracola. Lo hemos intentado muchas veces, soplando, pero no sale ningún sonido. Puede que le falte una boquilla que llevara acoplada en el pico, que fue cortado para encajarla». Al oír eso, el director de la excavación mira a uno de los jóvenes arqueólogos de su equipo. «Tu sabes tocar la trompeta -le dice-. Podrías probar, a ver qué pasa». 

Un silencio expectante. Bromeando, el chico que sabe tocar la trompeta coge la caracola, le da vueltas entre las manos y se la acerca a los labios, sin decidirse. «Prueba, anda», lo animan todos. Al fin toma aire, aplica los labios y la lengua en la misma forma en que los pone cuando hace sonar una trompeta, y sopla. Y la caracola suena. Lo hace de pronto, inesperadamente, con un hondo quejido grave, fuerte, sobrecogedor, que de pronto evoca mares sombríos, noches de guardia, costas llenas de peligros; y que los deja a todos mudos y boquiabiertos. Sobrecogidos. Conscientes de lo extraordinario que acaba de ocurrir: después de veinte siglos en silencio, en el fondo del mar, la caracola de aquel pequeño y perdido barco romano ha vuelto a sonar en los labios de un joven arqueólogo. Quizá por primera vez desde que, hace dos mil años, momentos antes del naufragio del Culip IV, alguien a bordo sopló en esa misma caracola para pedir ayuda, o para prevenir un abordaje con otra embarcación mientras se acercaban a la costa entre la niebla.  


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Un joven con un violín 
Arturo Pérez Reverte

Paseo por una calle del Madrid viejo, y al doblar una esquina encuentro a un joven que toca el violín. Lo hace muy bien, interpretando una melodía que desconozco -excepto en un par de registros, mis conocimientos musicales son limitados- pero que me conmueve hasta el punto de hacer que me detenga un poco más allá, escuchando. Y no sólo me conmueve la música. La soledad del joven en esta calle poco transitada, su expresión mientras desliza el arco sobre las cuerdas, la funda del violín que, a sus pies, muestra unas pocas monedas, también me producen una sensación triste. Melancólica.

Desde unos pasos de distancia, lo observo con atención. Sorprende, sobre todo, que parezca español, pues la mayor parte de los músicos callejeros que veo en el centro de Madrid -mariachis, acordeonistas, incluso la orquesta de jazz que suele tocar cerca del hotel Palace- son extranjeros, y en su mayor parte proceden de países del este de Europa. Pero éste parece de aquí, y lo confirmo cuando vuelvo sobre mis pasos, me inclino y pongo sobre la funda del violín un billete de cinco euros. «Gracias», le digo. Y él, sin dejar de tocar, sonríe y responde en perfecto español nativo: «No, por favor. Gracias a usted».

Me alejo calle arriba, dejando atrás la música hasta que se apaga a mi espalda. Pensando, sombrío, en ese joven violinista. El encuentro tenía que haberme alegrado la mañana, me digo. Esa música tan bella. Pero lo cierto es que me ha entristecido. Mucho. Me hace sentir como en otro tiempo, con aquella gente con la que me cruzaba en lugares inciertos: caminando hacia ninguna parte con sus críos y lo poco que habían podido salvar de sus casas destruidas, mientras me preguntaba qué azarosos caminos los habían llevado hasta allí. La felicidad que tal vez dejaban atrás, la pesadumbre de su presente. Y aquellas miradas turbias de fatiga y desesperación. De miedo al futuro. El joven del violín tenía la misma mirada. O quizá, concluyo, soy yo quien la tiene impresa, indeleble, de otros tiempos y lugares que en el fondo siempre y de alguna forma son los mismos, y me limito a aplicársela a ese joven. A enfocarlo con ella, incómodo botín de vida, a él y a su conmovedor violín. A transferirle mis propios fantasmas.

Recuerdo algo que leí hace poco. Una carta que alguien me hizo llegar: un padre de una muchacha que estudia música. Vulgar historia, como tantas otras diversas y tan parecidas entre sí, de jóvenes nacidos en el tiempo equivocado; en el país inadecuado, lleno de trabas burocráticas, de zancadillas oficiales, de vilezas corporativas, de desidia y de contumaz ignorancia. La historia de siempre: ciencia, cultura. Música. Desdén y olvido. Aquel padre se lamentaba de la situación de la música en España: desinterés oficial, aberraciones académicas, sálvese quien pueda, chiringuitos provinciales minoritarios, taifas de músicos locales que se buscan la vida repartiéndose entre ellos, casi en privado, lo poco que cae. Y esa chica o muchacho brillantes, con ganas y talento -el que acabo de encontrar tocando el violín podría ser uno de ellos-, que tal vez destacó en los estudios, que ha dado humildes conciertos o estrenado pequeños logros en una ciudad, la suya, donde los críticos locales y quienes tienen en sus manos los resortes del asunto ni se molestaron en asistir; y que, luchando por abrirse paso, se presenta a certámenes, gana pequeños premios que no sirven para comer ni para seguir adelante, se esfuerza por conseguir esa beca que, cuando existe, nunca le dan, y acaba quedándose en su casa, tocando para su familia y sus amigos mientras termina los estudios en el conservatorio; consciente de que si su instrumento es orquestal, flauta o violín por ejemplo, tal vez consiga formar parte de algún grupo de jóvenes o no tan jóvenes que toquen por amor al arte, o casi. Sabiendo que su máximo triunfo, si lo acompaña la suerte, será llegar a profesional de la música como profesor de grado elemental o de piano, en el mejor de los casos, en un conservatorio donde podrá formar a chicos con talento y ganas que acabarán tan frustrados y amargos como él. En cuanto a lo otro, la posibilidad de llegar a donde debería y a donde puede, a concertista, compositor o director de orquesta, sólo le quedará un camino: coger su instrumento, hacer la maleta y largarse -si es que aún está a tiempo y puede- de esta tierra suicidamente inculta, enferma de sí misma y sin futuro. Intentarlo fuera, lejos, como tantos otros, si no quiere convertirse en el joven que toca el violín en una calle solitaria de Madrid, transmitiendo, a quienes escuchen con un mínimo de lucidez su bellísima melodía, menos placer que tristeza.   
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"En el mundo de hoy, la música tiene una omnipresencia cacofónica en restaurantes, aeropuertos y lugares parecidos, pero es que precisamente esta omnipresencia es lo que representa el mayor obstáculo para la integración de la música en nuestra sociedad. Ninguna escuela eliminaría de sus programas el estudio de la lengua, las matemáticas o la historia y, sin embargo, el estudio de la música, que engloba tantos aspectos de estos campos e incluso puede contribuir a una mejor comprensión de ellos, a menudo es ignorado del todo". (Daniel Barenboim. “El Sonido es vida”).

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"La música no es moral ni inmoral. Es nuestra reacción ante ella lo que hace que se vuelva una u otra cosa en nuestra mente". (Daniel Barenboim. “El Sonido es vida”).

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"El ser humano, desgraciadamente, tiene tendencia a impregnar a los objetos de autoridad moral para librarse de toda responsabilidad" (Daniel Barenboim. “El Sonido es vida”).

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"La vida sin música sería un error"  Nietzsche.

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"Lo que engancha a uno (se refiere a la música), a otro lo repele; no a causa de alguna cualidad absoluta presente en la música misma, sino por lo que la música ha venido a significar para esa persona en tanto que miembro de una cultura o grupo concreto" (John Blacking. "¿Hay música en el hombre?").

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"...el desarrollo tecnológico trae consigo un cierto grado de exclusión social: volverse audiencia pasiva es el precio que algunos tienen que pagar por pertenecer a una sociedad superior, cuya superioridad se apoya en la aptitud excepcional de unos pocos escogidos." (John Blacking. "¿Hay música en el hombre?).

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"La música es omnipresente en la cultura humana. Se conocen sociedades sin escritura y hasta sin artes visuales, pero no hay ninguna que no produzca algún tipo de música." (Philip Ball. "El instinto musical. Escuchar, pensar y vivir la música").

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"Luego me explicó como era la flauta. Dijo que era al revés de las demás y que había que tocarla en medio de un gran estruendo, porque en lugar de ser, como en las otras, el silencio, fondo y el sonido, tonada, en ésta el ruido hacía de fondo y el silencio daba la melodía. La tocaba en medio de las grandes tormentas, entre truenos y aguaceros, y salían de ella notas de silencio, finas y ligeras, como hilos de niebla. Y nunca tenía miedo de nada." (Rafael Sánchez Ferlosio. "Alfanhuí").

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"La combinación del desarrollo de la esfera pública y la consiguiente transformación de los espacios y lugares culturales, la secularización y la correspondiente sacralización de la cultura, la revolución romántica, el ritmo cada vez más acelerado de la innovación tecnológica y la irrupción de la cultura juvenil en la segunda mitad del s. XX llevaron a la música a ocupar el primer puesto entre todas las artes, por lo que la categoría, influencia y recompensas materiales respecta." (Tim Blanning El triunfo de la música. los compositores, los intérpretes y el público desde 1700 hasta la actualidad).

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Cuando no me ve nadie, como ahora, gusto de imaginar a veces si no será la música la única respuesta posible para algunas preguntas.
(Antonio Buero Vallejo)

Tocando el Viento (Brassed Off)

Tocando el viento             Pincha sobre la imagen para ver un tráiler de la película.
 

Sinopsis    

La trama de la película se desarrolla en la época que gobernaba Margaret Thatcher, cuando lleva a cabo el cierre de las minas de carbón, dejando a su paso un reguero de parados y familias destrozadas. En un pequeño pueblo del norte de Inglaterra la banda de la mina corre el mismo peligro. Su director, Danny, se afana por llegar a ganar la competición nacional que los llevaría al Royal Albert Hall de Londres.

Valoración

La película es de 1996 pero el tema que trata es tristemente muy actual. Plantea el tema de las crisis económicas que no entienden de personas, sino de números y resultados. Esos peones en manos de especuladores,  entiéndase políticos, que nos venden que están haciendo algo grande para la historia de su país y sólo consiguen enriquecer a los que más  tienen y empobrecer al resto. En medio de esos paisajes desoladores las personans luchan por no perder su dignidad, por conservar las ganas de vivir y transmitir una esperanza a sus hijos. Aquí entra en juego la música y su capacidad socializadora. La capacidad de aunar a un grupo de personas y construir algo en común. Este es el camino, compartir con las personas experiencias y momentos. Por supuesto hay otros muchos caminos para conseguir lo mismo. El director de la banda dice: " ... este maldito gobierno en los últimos diez años ha destruído nuestra industria y no sólo nuestra industria, nuestras comunidades, nuestros hogares, nuestras vidas... y en nombre del progreso y para conseguir cuatro chavos.... Pero cuando lo que se pierde son las ganas de luchar, de vivir, de respirar... Si estas gentes fueran focas o ballenas todos nos alzaríamos en armas, pero es gente normal y corriente, seres humanos honrados y decentes y a ninguno le queda una gota de esperanza" Personas como José Antonio Abreu en Venezuela y a través de la música ha devuelto la dignidad a muchas personas que estaban en la miseria. ¿Se darán cuenta algún día los ministros y asesores de educación de la importancia del conocimiento y la cultura, o más bien ya se han dado cuenta y por ello no quieren que llegue a todos?.

Ficha técnica de la película

Dirección: Mark Herman
Guión: Mark Herman
Producción: Channel Four Films, Miramax Films, Prominent Features Inc.
Duración: 103 minutos
Nacionalidad: UK/ USA
Año de Producción: 1996
Reparto: Ewan Mc Gregor (Andy), Peter Postlewaile (Danny), Tara Fitzgerald (Gloria), Stephen Tompkinson (Phil), Jim Carter (Harry), Phillip Jackson (Jim), Peter Martin (Ernie), Sue Johnston (Vera), Mary Healy (Ida), Melanie Hill (Sandra), Lill Roughley (Rita), Peter Gunn (Simmo), Stephen Moore (Mc K enzie), Kenneth Colley (Greasley), Olga Grahame (Mrs. Foggan), Toni Galacki (Gary), Sky Ingram (Kylie), Luke McGann (Shane), Christopher Tetlow (Craig).

El Concierto

 

El concierto

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 Sinopsis

En la época de Brezhnev, Andrei Filipov era el mejor director de orquesta de la Unión Soviética y dirigía la célebre Orquesta del Bolshoi. Pero en plena gloria, tras renunciar a separarse de sus músicos judíos, entre los que estaba su mejor amigo Sacha, fue despedido. Treinta años después, sigue trabajando en el Bolshoi, pero ahora…. como limpiador.

Un día que Andrei se queda hasta tarde sacando brillo al despacho del jefe llega un fax dirigido a la dirección del Bolshoi: se trata de una carta del Teatro de Châtelet invitando a la orquesta oficial a que vaya a dar un concierto a París… De repente, a Andrei se le ocurre una idea loca: ¿por qué no reunir a sus antiguos compañeros músicos, que viven de hacer trabajillos y chapuzas, y llevarlos a París, haciéndoles pasar por el Bolshoi? La tan esperada ocasión de tomarse la revancha por fin ha llegado.

Valoración

Es una buena comedia, se pasa un rato divertido y escuchamos el concierto  para violin y orquesta en re mayor op. 35  de Tchaikovsky. Bueno, que nadie se crea que una orquesta puede tocar así después de  tantos años sin practicar, es muy bonito pero no es real.

Ficha técnica de la película

Título: El concierto

Título original: Le concert

Dirección: Radu Mihaileanu

País: Francia, Italia, Bélgica, Rumania

Año: 2009

Duración: 119 min.

Género: Comedia, Música

Calificación: Apta para todos los públicos

Reparto: Aleksei Guskov, Mélanie Laurent, Dmitri Nazarov, Valeri Barinov, François Berléand, Miou-Miou, Lionel Abelanski, Vasile Albinet, Laurent Bateau, Ramzy Bedia, Jacqueline Bisset, Ovidiu Cuncea, Maria Dinulescu, Roger Dumas, Guillaume Gallienne, Anna Kamenkova, Aleksandr Komissarov, Ion Sapdaru, Valentin Teodosiu

Web: www.leconcert-lefilm.com

Distribuidora: Vertigo Films

Productora: France 3 (FR 3), Canal+, Panache Productions, Eurimages, Europa Corp., Castel Film Romania, BIM Distribuzione, CinéCinéma, Région Ile-de-France, France 3 Cinéma, Radio Télévision Belge Francophone (RTBF), Oï Oï Oï Productions, Les Productions du Trésor, Belgacom TV, Tax Shelter ING Invest de Tax Shelter Productions

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Tierra de Ángeles

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Sinopsis

Daniel Daréus  es un director de orquesta de fama mundial.  Tras sufrir un infarto, Daniel decide poner fin a su carrera musical y regresar al pequeño pueblo en el que pasó su infancia, situado en una remota zona al norte de Suecia. Su llegada supone una pequeña revolución pues su popularidad le convertirá en objeto inmediato de curiosidad y fascinación entre los habitantes del pueblo, que le pedirán “consejo profesional” para el pequeño coro de la iglesia que ensaya cada jueves en el vestíbulo de la parroquia. A pesar de sus reservas iniciales, Daniel acepta el puesto y comienza a trabajar con el coro. Para su sorpresa, los ensayos le harán redescubrir su lejano y perdido amor por la música, al tiempo que los poco ortodoxos métodos de enseñanza del nuevo director despiertan en los miembros del coro numerosas emociones que irán cambiando sus vidas. Estos cambios parecen no gustar a alguno de los habitantes del pueblo, entre los que se encuentran el celoso párroco local y un peligroso y violento enemigo del pasado de Daniel. Ambos se enfrentarán a él y harán todo lo posible por impedir sus progresos con el coro. Pero Daniel también hará buenos amigos, como la adorable y sensible Lena, una mujer que le ayudará a superar su miedo y su soledad.

Valoración

Estamos ante una buena película, llena de sensiblidad. Es un viaje al interior de cada uno de los protagonistas y por qué no, un viaje hacia nuestras propias angustias, traumas y miedos. Película llena de música, la música que une a los seres humanos, la música que nace de nuestro yo más íntimo. Pero la película es mucho más, aparece la religión, los temores, los complejos, la violencia, el crecimiento personal, el amor, la comprensión, el perdón, la soledad, la amistad, los prejuicios, la naturaleza, las relaciones personales, la escucha (de la música, de la gente, de uno mismo),  las oportunidades que ofrece la vida, la solidaridad. No es una película superficial,  cuenta una gran historia, una historia hermosa.

 Ficha técnica

Dirección: Kay Pollak.

País: Suecia.

Año: 2004.

Duración: 135 min.

Género: Drama.
Interpretación: Michael Nyqvist (Daniel Daréus), Frida Hallgren (Lena), Helen Sjöholm (Gabriella), Lennart Jähkel (Arne), Niklas Falk (Stig), Ingel Olsson (Inger), Per Morberg (Conny) Axelle Axell (Florence), Lase Petterson (Erik), Barbro Kollberg (Olga).

Guión: Kay Pollak, con la colaboración de Anders Nyberg, Ola Olsson, Carin Pollak y Margaretha Pollak.

Producción: Anders Birkeland y Göran Lindström.

Música: Stefan Nilsson.

Fotografía: Harld Paalgard.

Montaje: Thomas Täng.

Dirección artística: Mona Theresia Forsén.

Vestuario: Hedvig Andér.

Estreno en Suecia: 20 Agosto 2004.

Estreno en España: 3 Noviembre 2006

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Tous les Matins du Monde

(Todas las mañanas del mundo)

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Sinopsis

"Todas las Mañanas del Mundo" cuenta la vida de dos personajes reales, músicos franceses del siglo XVII. Uno de ellos es el maestro de viola da gamba Sainte Colombe, un verdadero genio de su instrumento y de la composición, que desde la muerte de su esposa vive alejado del mundanal ruido y se encierra para tocar y componer en una cabaña de troncos, negándose insistentemente a acudir al llamado de la Corte, donde se lo requiere como músico estable. El otro es Marin Marais, un joven de grandes condiciones para la música, que persistentemente aboga por lograr ser aceptado como alumno de Sainte Colombe, aunque sus ideas se hallen en las antípodas de la filosofía de su maestro, Marin Marais concibe a la música como vehículo para triunfar y no vacila en buscar empeñosamente un ingreso a la corte, como forma de lograr ascenso social.

Valoración

Esta película surge de la colaboración entre el escritor Pascal Quignard, el director Alain Corneau y el músico Jordi Savall.  Se mezclan datos reales con imaginarios, aunque más imaginarios que reales.

Hay películas en las que  ya  el título es todo un acierto. En este caso es muy  sugerente y se corresponde con la película, no defrauda, todo lo contrario, despliega todas las sensaciones, emociones e ideas que le pueda a uno sugerir. La luz (claroscuros), el color, la fotografía de la película se corresponde con el contraste típico barroco. Contraste que observaremos entre la pomposidad de la corte y la austeridad de Sainte  Colombe, el rojo de las vestimentas de Marin Marais y el negro de Sainte Colombe, el carácter introvertido de Madeline y el carácter extrovertido de Toinette... Por un lado el ambiente positivo y vitalista del Renacimiento y por otro lado un ambiente de negación del mundo y de retiro religioso. Hay momentos que estamos ante verdaderos cuadros de Vermeer. Está presente la teoría de los afectos tan querida al Barroco,  en un momento de la película dice Marin Marais: "provocad una emoción en nuestros oídos".  La naturaleza está muy presente en un  paisaje frondoso y verde que te envuelve. Esta película es poesía en imágenes, llena de silencios y de música. Los que estén acostumbrados a películas de acción no se encontrarán en los tiempos que se proponen. La mayor parte de la película se rueda mediante planos fijos que acentúan el carácter pictórico de toda la película. Diálogos escasos y predomina la voz en off que nos narra en pasado aquello que sucedió. Película de desencuentros y encuentros, amor y desamor, luz y oscuridad, juventud y vejez, vida y muerte, alumno y maestro, pasión e ira.  La comunicación entre seres queridos, entre extraños, la comunicación de los conocimientos, la comunicación del arte. Pero además encontraremos mucha música barroca interpretada por Jordi Savall. Música de compositores barrocos como Lully, Marin Marais, Sainte Colombe, François Couperin.

"Todas las mañanas del mundo son caminos sin retorno".

Ficha técnica

TITULO ORIGINAL Tous les matins du monde
AÑO 1991

GÉNERO: Drama
DURACIÓN 115 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Alain Corneau
GUIÓN Pascal Quignard & Alain Corneau (Novela: Pascal Quignard)
INTERPRETACIÓN MUSICAL: Jordi Savall
FOTOGRAFÍA Yves Angelo
REPARTO Gérard Depardieu, Jean-Pierre Marielle, Anne Brochet, Caroline Sihol, Guillaume Depardieu, Michel Bouquet, Carole Richert
PRODUCTORA France 3 Cinéma / Le Studio Canal+ / Sédif Productions / Divali Films

Ganadora de 7 premios César.

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The band´s visit

 La banda nos visita

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 Sinopsis

 La acción se sitúa a principios de los años 90.  Una banda de música de la policía egipcia que ha sido invitada para hacer una actuación en la apertura de un centro cultural israelí.  Nadie viene a recogerles al aeropuerto por lo que deciden coger un autobús que les acaba llevando a un lugar equivocado. Los miembros de la banda terminan en una pequeña ciudad del desierto en el transcurso de la noche de Sabbat. Resulta que ni siquiera los prejuicios heredados son capaces de llevar al traste las relaciones que se van forjando entre locales y visitantes. Hacia el final de la película, no sólo los israelíes y los egipcios han aprendido algo de los otros, sino que han llegado a aprender algo de sí mismos. Mientras el director de la banda acepta la invitación de la dueña de un café para que pase la noche en su casa, dos de sus compañeros disertan en una discoteca sobre la manera en que hay que tratar a las mujeres, y el resto se aloja en el hogar de una familia judía, con la que inevitablemente surgen las primeras tensiones. La película habla de temas de gran importancia, que no tienen que ver únicamente con la relación entre los dos países: habla de cuestiones relacionadas con toda la humanidad, y de gente destinada a entenderse.

Valoración.

No es por casualidad, al menos a mí me lo parece, que se haya elegido una banda de música y no otro grupo humano. La música es capaz de unir a personas de culturas diferentes. La música como metáfora de puente entre culturas. El abandono de la banda, de los músicos, un grupo nada mediático y lejos de todo el glamour de los grupos de rock,  de las grandes orquestas, de los grandes intérpretes. Personas corrientes, abandonadas a su suerte que llevan como único pasaporte la condición de seres humanos que terminan por entenderse, por comunicarse con sus semejantes, aunque sean de otros países, de otras culturas y otras religiones. Cuando nos despojamos de las capas  que llevamos cada uno, de nuestras costumbres, de nuestros hábitos, de nuestras religiones, sale nada más y nada menos que el ser humano y la necesidad de comunicarse consigo mismo y con sus semejantes. Dice Rafael Sánchez Ferlosio en su libro "God & Gun": "Por mi parte, siempre he comentado cómo se equivocaba aquel personaje de Dostoyeski que decía: Si Dios no existe, todo está permitido. Es cuando hay Dios  cuando todo está permitido".  El paisaje desértico, la escasez de medios, el pueblo pequeño, la ausencia de cosas que distraigan a los personajes y al espectador hacen que unos y otros  no puedan escapar y se abran a  la comunicación, pasando todo lo demás a un segundo plano. Y ese proceso también lo lleva a cabo el espectador que ya no echa de menos la tramoya, los efectos especiales a los que nos tienen acostumbrados en otras películas.

 Ficha técnica

Título: La banda nos visita

Título original: Bikur Ha-Tizmoret

Dirección: Eran Kolirin

País: Francia, Estados Unidos, Israel

Año: 2007

Duración: 87 min.

Género: Drama, Comedia

Reparto: Sasson Gabai, Ronit Elkabetz, Saleh Bakri, Khalifa Natour, Shlomi Avraham, Uri Gavriel, Imad Jabarin, Ahuva Keren, François Khell, Hisham Khoury, Tarak Kopty, Rinat Matatov, Rubi Moskovitz, Hilla Sarjon, Eyad Sheety

Web: www.mangafilms.es/labandanosvisita

Productora: Sophie Dulac Productions, July August Productions, Bleiberg Entertainment

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 Tocar y Luchar

tocaryluchar pincha en la imagen para ver un tráiler de la película

 Sinopsis

Documental sobre la red de orquestas  infantiles  y juveniles de Venezuela. La fundación del "Sistema" se debe, entre otros, a José Antonio Abreu, que es el motor del  proyecto que empezó hace ya 30 años, por más que sea ahora cuando está teniendo una amplia repercusión en el resto del mundo. Subrayo esta idea porque muchos creen que una cosa así se puede improvisar en unos meses.  El documental recorre barrios de Caracas y de otras partes de Venezuela, mostrándonos el buen hacer y entusiasmo de niños y profesores. 

Valoración

Hay mucho trabajo, perseverancia, ilusión y capacidad de organización. No creo exportable este proyecto a todas las partes del mundo porque los valores y las circunstancias son distintos, lo que no significa que no sea deseable o necesario algo parecido. Hay momentos en que a uno se le saltan las lágrimas, al igual que a Plácido Domingo en el documental, al ver tanta ilusión, calidad y emoción en lo que tocan. La imagen estereotipada que nos llega de Venezuela es la de Hugo Chávez y la violencia de algunos barrios de Caracas. No nos podemos quedar con los clichés, la mayoría de las veces interesados, que nos ofrecen los medios de comunicación porque nos impiden ver la riqueza y la vida que hay más allá. El título del documental hace referencia  al lema del proyecto: tocar y luchar, luchar por algo mejor, por salir adelante, por tener un proyecto de vida a partir de la música. Como dicen ellos mismos: para los músicos de El Sistema, Tocar y Luchar significa asumir la música como una experiencia colectiva y social, implica una búsqueda constante de excelencia y, sobre todo, perseverar hasta hacer realidad los sueños.Si quieres tener más información de este proyecto visita su página web: http://www.fesnojiv.gob.ve/

Ficha Técnica.

Título. Tocar y Luchar.

Director: Alberto Arvelo.

País: Venezuela.

Año: 2005.

Duración: 80 minutos.

Género: documental.

Música original: Nascuy Linares.

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El Sistema.

Music to change life. El Sistema.

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Sinopsis

Al igual que en el documental Tocar y Luchar estamos ante la descripción del fenómeno musical venezolano que tanto ha deslumbrado al mundo, en este caso se hace desde una óptica europea, intentando desentrañar dónde radica el éxito de este fenómeno social único. Podemos ver a Gustavo Dudamel, carismático director de orquesta salido del Sistema, a Jose Antonio Abreu explicando su proyecto. Las palabras que escuchamos de Abreu son de una clarividencia y profundidad propias de los grandes hombres. El Sistema fue premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2008. Son muchos los premios que ha ido recogiendo de todas las partes del mundo.  

Valoración

El documental engancha al espectador desde el primer minuto, la asociación de imágenes y música está muy conseguida. Lo que más deslumbra del proyecto de Abreu no es sólo haber dado una posibilidad a tantos niños de barrios marginales, que ya bastaría con ello, sino la calidad y excelencia que han conseguido alumnos y profesores. Nos quedamos admirados desde la vieja Europa, con un tufillo de superioridad trasnochado, que haya surgido un proyecto así, con tanta profundidad y envergadura, que cierto tipo de música tenga significado vital para todos los niños que están implicados, cuando asistimos en Europa a lo contrario. Dice Abreu: "el exceso de abundancia es tan terrible como la pobreza". ¿Podremos conseguir aquí algo parecido?

Ficha Técnica

Título: Music to Change Life. El Sistema.

Director: Paul Smaczny & María Stodtmeier.

Año: 2009

Duración: 100 minutos.

Género: documental.

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Vivaldi. Un príncipe en Venecia

vivaldi frontal

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Sinopsis

Venecia, siglo XVIII. Antonio Vivaldi, uno de los más grandes compositores europeos de todos los tiempos, apodado el Sacerdote Rojo por ser sacerdote y pelirrojo y reconocido por sus magistrales composiciones, sufre sin embargo los constantes ataques de la Iglesia y del Obispo de Venecia en concreto, que no aprueba su estilo de vida ni ve con buenos ojos su especial relación con la hermosa y joven soprano Anna Giro.

Valoración

El asesor musical de esta película es Patrick Barbier, autor del magnífico libro  La Venecia de Vivaldi. Música y fiestas barrocas. Es una pena que el director de la película no haya sacado más partido a tan buen asesor.  La película no llega al espectador, aunque tenga escenas interesantes para conocer usos y costumbres musicales de la Venecia de Vivaldi el resultado global deja mucho que desear. Hay momentos que parece que estamos ante un documental y otros ante una película, pero no se obtienen buenos resultados ni en una ni en otra categoría. A ello tampoco contribuye el doblaje. La película sobre Vivaldi sigue estando por hacer.

Ficha Técnica

Director: Jean- Louis Guillermou.
Actores: Bernard- Pierre Donnadieu, Christian Vadim, Delphine Depardieu, Diana Fertikh, Katia Tchenko, Maud Jurez, Michel Galabru, Philippe de Vallerin, Stefano Codirolli.
Nacionalidad: Francia.
Duración: 98 min.
Año: 2006

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Música del corazón (Music of the Heart)

música del corazón

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Sinopsis

Basado en hechos reales, narra la vida de Roberta Guaspari, una mujer violinista que dejó su carrera al casarse. Años después, su marido la abandona con dos hijos, pero ella consigue rehacer su vida personal y profesional enseñando  música a los niños pobres del East Harlem, en Nueva York.


Valoración

 
Es una película que se puede proyectar en clase muy bien. Aunque no sea una gran película, desde el punto de vista  del cinéfilo, transmite valores muy positivos: el esfuerzo, el trabajo, la  ilusión que se pone en  los proyectos. A pesar de las dificultades que se presentan, las convicciones y las ganas de trabajar por los demás supera todo.
 

Ficha Técnica

 

TÍTULO ORIGINAL:  Music of the Heart
AÑO: 1999
DURACIÓN:  105 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Wes Craven
GUIÓN: Pamela Gray
MÚSICA: Mason Daring
FOTOGRAFÍA: Peter Deming
REPARTO: Meryl Streep, Aidan Quinn, Gloria Estefan, Angela Bassett, Jane Leeves, Kieran Culkin, Jay O. Sanders
PRODUCTORA: Miramax International
PREMIOS 1999: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz (Meryl Streep), canción original
1999: Nominada al Globo de Oro: Mejor actriz - drama (Meryl Streep)

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Profesor Holland (Mr. Holland´s Opus)


Profesor Hollandpincha sobre la imagen para ver un tráiler de la película
Sinopsis
Un  pianista y compositor que se gana la vida tocando en fiestas  y espectáculos se ve obligado a tener que dar clases en un Instituto (High School norteamericana) para poder sobrevivir, sueña con componer algún día una sinfonía. Pero acabará descubriendo su verdadera vocación, ser profesor y enseñar a los adolescentes. Después de una vida dedicada a la enseñanza podrá  interpretar la sinfonía con la que soñaba, pero se ha dado cuenta que la verdadera sinfonía es la que ha ido componiendo día a día con sus alumnos y su familia.
Valoración
Película muy didáctica, aunque la situación musical de una High School norteamericana se parece muy poco a la de un Instituto español, hay valores y situaciones que se repiten: la labor callada y crucial de un profesor, alejado de los ruidos mundanos que desvirtúan en muchas ocasiones la labor del profesor, sin que ello signifique estar al margen de la sociedad en la que uno vive. El valor de la dignidad con la que uno ejerce su profesión. El protagonista no está exento de las tensiones propias de la convivencia: con su mujer, con su hijo, con los compañeros, pero se impone el amor y la comprensión,  la tranquilidad y la satisfacción de una vida plena. Aunque se nota el paso del tiempo en la película, especialmente en el vestuario, look..., el mensaje y los valores que transmite deben estar siempre presentes en una sociedad. Hay una fundación en norteamérica que lleva el nombre de la película,  se dedica entre otras cosas a recoger instrumentos musicales para darlos a niños que no pueden comprarlos, porque están convencidos que poner un instrumento de música en manos de los niños mejora la calidad de su educación y de sus vidas. Fundación Mr. Holland´s  Opus. 
Algunos críticos han opinado:

La película es descaradamente sentimental y moralizadora. Y, de hecho, en varias secuencias es imposible contener la emoción. Pero esto no es de por sí un defecto; de hecho, en este caso es una virtud. Al fin y al cabo, las películas favoritas de dos grandes maestros del cine, John Ford (El sol siempre brilla en Kentucky) y Frank Capra (¡Qué bello es vivir!), son también supersentimentales y supermoralizadoras. Además, Profesor Holland coincide con ellas —sobre todo con la de Capra, como ha reconocido Stephen Herek— en su estructura narrativa y en su sólido fundamento ético y antropológico —heroicidad en lo cotidiano, importancia de la familia y la amistad, dignidad y trascendencia de cada vida humana...—, aunque en Profesor Holland la presencia de Dios es más silenciosa que en esos films.


 
Ficha Técnica

Director: Stephen Herek
Guión: Patrick Sheane Duncan
Música: Michael Kamen
Año:1995                                                                                                  Fotografía: Oliver Woods
Reparto: Richard Dreyfuss, Olympia Dukakis, Glenne Headly, Jay Thomas, William H. Macy, Alicia Witt, Jean Louise Kelly
Productora: Polygram Filmed Entertainment pr. una prod. Interscope Communications / The Charlie Mopic Company
Premios: 1995. Nominada al Oscar: Mejor actor (Richard Dreyfuss)
1995: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor actor (Dreyfuss), guión

Duración: 135 min.

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El Maestro de Música (Le Maitre de Musique)
 
Maitre-de-Musique
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Sinopsis

 
Un gran cantante se retira a su residencia en la cumbre de su carrera y decide dedicarse a la enseñanza, va a  dar clase a dos jóvenes, Sophie y Jean.
 

Valoración

 
Película del director Gerard Corbiau, el mismo que más tarde rodaría la película Farinelli. Estamos ante una  película que intenta acercar el mundo de la ópera al gran público, no está muy claro que lo haya conseguido, pero si ha hecho una gran película. Describe muy bien las relaciones entre profesor (el bajo-barítono José Van Dam) y alumno, el esfuerzo y el trabajo para llegar a conseguir uno resultados óptimos. Y también nos traza magistralmente los cantos de sirenas que en muchas ocasiones se encuentran los cantantes que empiezan a despuntar y por supuesto las zancadilllas que hay en ese mundo como en otros muchos. Pero destaca la tranquilidad, la calma y el buen hacer que  siembra el profesor a sus alumnos y que terminan por imponerse.
 
Ficha técnica
Duración: 97 min. 

País: Bélgica.
Director: Gérard Corbiau
Guión: Gérard Corbiau, Andrée Corbiau, Christian Watton (Historia: Gérard Corbiau & Luc Jabon)
Música:Ronald Zollman
Fotografía: Walther Vanden Ende
Actores: José van Dam, Anne Roussel, Philippe Volter, Sylvie Fennec, Patrick Bauchau, Johan Leysen, Marc Schreiber, Alain Carre, David Ashman
Productora Coproducción: Bélgica-Francia
Año: 1988

Premios: 1988: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa.

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Mi nombre es Bach (Mein Name ist Bach)

mi nombre es bach

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Sinopsis

 
En mayo de 1747 J. S. Bach viaja de Leipzig a Potsdam para el bautizo de su primer nieto. Federico II de Prusia aprovecha la ocasión para invitarlo a su Palacio, tenía Bach 62 años. Federico el Grande era gran amante de la música (tocaba la flauta travesera) y admiraba a J. S. Bach.  En ese encuentro entre el rey y el famoso compositor, el monarca ve en Bach a un padre ideal, en las antípodas del suyo, Ferderico Guillermo I, y Bach ve en el joven homosexual al hijo poderoso y resuelto que hubiera deseado, tan distinto a Emanuel, demasiado sumiso y marginal a sus ojos. Con Bach había viajado también Friedmann, su hijo mayor de 30 años, un brillante organista con tendencia a la autodestrucción y una rebeldía natural. La aproximación entre artista y monarca comienza entonces a sembrar la discordia en el seno de ambos clanes, los Bach y la corte. (FILMAFFINITY)

Valoración

 
No resulta nada fácil hacer una película sobre  la vida de J. S. Bach, aunque esta película tampoco lo pretende. Su obra es tan inmensa, tan grandiosa, que  oculta  al hombre, lo difumina. No es nada fácil elaborar una biografía y mucho menos una película que no quede destruída por su música. Milos Forman supo, aunque no se ajustara siempre a la realidad, darle a la figura de Mozart una credibilidad que no creo que se haya conseguido en esta película con la figura de J. S. Bach. Vuelvo a repetir que no es nada fácil. Ahí queda el reto para que otro director lo intente de nuevo. Por lo demás, la película está muy bien ambientada y puede dar a los alumnos una idea  muy buena del Barroco y comienzos del Clasicismo.
 

Ficha Técnica

Dirección: Dominique de Rivaz.
Países: Alemania y Suiza.
Año: 2003.
Duración: 97 min.
 Interpretación: Vadim Glowna (Johann Sebastian Bach), Jürgen Vogel (Frederico II de Prusia), Anatole Taubman (Friedemann Bach), Paul Herwig (Emanuel Bach), Karoline Herfurth (Princesa Amalia), Antje Westermann (Johanna Bach), Gilles Tschudi (Goltz), Phillippe Vuilleumier (Profesor Quantz), Bernhard Liègme (Lakai Stumm).
Guión: Jean-Luc Bourgeois, Dominique de Rivaz y Leo Raat.
Producción: Karl Baumgartner, Uta Ganschow, Thanassis Karathanos, Jean-Louis Porchet y Gérard Ruey.
Música: Frédéric Devreese.
Fotografía: Ciro Cappellari.

Os recomiendo  los videos que sube  Aldo Narejos Rodriguez

Francesco Tristano es un joven pianista y compositor que está dando mucho que hablar.


Igudesman & Joo. Música y humor. Se han juntado dos buenos músicos, se lo pasan muy bien y hacen pasar un buen rato a los demás.
www.igudesmanandjoo.com

¿Dónde está el mando a distancia?.

Más de Igudesman. Una variante del vídeo anterior. El ciber director

Igudesman & Joo. Sobreviviré

Igudesman & Joo. Lección de piano.

Podéis encontrar muchos más en youtube.

Canon de Pachelbel a lo PagaNINI.

"Programa de mano" de la 2 de TVE  dedicó el 19/07/11  el  programa al 60 Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Pincha en la imagen para entrar en el enlace.

Captura de pantalla 2011-11-20 a las 02.14.51

 

Coldplay en Madrid (26-10-11)  Every teardrop is a waterfall.

A Bach lo hemos escuchado ya en  fusión con el jazz, pop, música brasileña, música africana.... pero no lo habíamos escuchado en fusión con el flamenco. Aquí va el Payo Bach en el programa Pizzicato de la 2 TVE. Detrás de esta experiencia está el violinista Ara Malikian. Todo Bach.

Captura de pantalla 2011-11-20 a las 18.53.52


El Benedictus, de la misa
El hombre armado, una misa para la paz de Karl Jenkins. Cuando parece que ya no se pueden componer más misas sale un compositor y entonces.... 


De la misma misa escuchamos ahora el Agnus Dei.


Para los alumnos del bilingüe que están trabajando el Cascanueces de Tchaikovsky.


Coldplay. Life in Technicolor. Os lo recomiendo.


Hay interpretaciones que ponen los pelos de punta, ésta es una de ellas. Sublime, Philippe Herreweghe dirigiendo la Pasión según San Mateo de J. S. Bach. ¡Qué voces!. 

Aria "Tief gebückt und voller Reue" de la Canta BWV 199 de J. S. Bach.

Sir John Eliot Gardiner dirige al coro Monteverdi y al grupo English Baroque Soloists.

 Magdalena Kožená - mezzo soprano


Tief gebückt und voller Reue

Lieg ich, liebster Gott, vor dir.
Ich bekenne meine Schuld,
Aber habe doch Geduld,
Habe doch Geduld mit mir!

En este frío enero acaba de aparecer otro trabajo de Christina Pluhar: Los Pájaros perdidos. Una incursión en la música hispanoamericana. Escuchemos al contratenor Philippe Jarousky cantando "Los pájaros perdidos". Texto de Mario Trejo y música de Ástor Piazzolla.


Texto: Mario Trejo

Amo los pájaros perdidos
que vuelven desde el más alla,
a confundirse con un cielo
que nunca más podré recuperar.
Vuelven de nuevo los recuerdos,
las horas jóvenes que di
y desde el mar llega un fantasma
hecho de cosas que amé y perdí.
Todo fue un sueño, un sueño que perdimos,
como perdimos los pájaros y el mar,
un sueño breve y antiguo como el tiempo
que los espejos no pueden reflejar.

Después busqué perderte en tantas otras
y aquella otra y todas eras vos;
por fin logré reconocer cuando un adiós es un adiós,
la soledad me devoró y fuimos dos.

Vuelven los pájaros nocturnos
que vuelan ciegos sobre el mar,
la noche entera es un espejo
que me devuelve tu soledad.

Soy sólo un pájaro perdido
que vuelve desde el más allá
a confundirse con un cielo
que nunca más podré recuperar.

Siempre está ahí Bach para acogernos. Esta vez Jazz y Bach. 

Mi amigo Daniel me envía desde Zaragoza música interpretada por   Los músicos de su Alteza. Grupo dirigido por Luis Antonio González. A veces nos embelesamos con grupos extranjeros y tenemos otros muy cerca que sienten y nos transmiten la música con la misma intensidad y calidad.       

 

De Los músicos de su Alteza y la voz de Olalla Alemán esta aria que nos deja sin aliento.  "Ay  amor, ay Clelia " de la ópera Amor aumenta el valor. José de Nebra (1702-1768).


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